Le damos la bienvenida a esta nueva versión de "Si ella me faltara alguna vez"

Esta combinación de voces es lo mejor!

Felicidades a Julieta Venegas y Haydée Milanés.

Vicente García lanza "A la mar", un álbum caribeño, africano y actual

El dominicano comenzó su carrera profesional en 2002 como primera voz de Calor Urbano, una banda dominicana de funk/soul y en 2010 decidió lanzarse como solista con su álbum "Melodrama". Este es su segundo trabajo discográfico.

El cantautor dominicano Vicente García lanzó este jueves su nueva aventura musical, "A la mar", un disco inspirado en ritmos autóctonos caribeños y antillanos en el que logra conectar las tendencias actuales con la herencia africana. (Lea: “Carmesí” una celebración al amor: Vicente García)

"El disco es como ir por el mar caribe navegando y cada canción es como una imagen del trayecto", dijo García en una entrevista telefónica a Efe desde España.

"A la mar" es el segundo trabajo musical de García que pasó seis años empapándose de las raíces musicales de su patria y otros países vecinos para componer y grabar los doce temas que lo componen.

"Este trabajo tiene un poco de son cubano, bachata, bolero, reggae de Jamaica, ritmos haitianos como el gaga, de Colombia y Las Antillas. Es un homenaje a lo que significa ser caribeño", explicó.

"Yo había escuchado el trabajo de Vicente, pero en este disco lo conocí y pude identificar que había grandes temas, grandes ideas", aseguró el productor del álbum Eduardo Cabra, más conocido como "Visitante" deCalle 13.

También el trabajo de grandes músicos que popularizaron la música caribeña como Juan Luis Guerra, han inspirado a García.

"Pude abrir algunos de sus conciertos y me di cuenta que su música es como el sentir de lo que somos los dominicanos y me gustó eso", explica el artista, de 33 años.

El dominicano comenzó su carrera profesional en 2002 como primera voz de Calor Urbano, una banda dominicana de funk/soul y en 2010 decidió lanzarse como solista con su álbum "Melodrama".

El éxito llegó rápidamente cuando su sencillo "Te Soñé" logró registrar 36 millones de visitas en las redes sociales.

Con el primer sencillo "Carmesí" de su nuevo álbum, García ha registrado hasta el momento 6 millones de vistas, un número elevado para un artista que apenas está lanzando el nuevo material.

Músicos y grupos folclóricos como los Gaiteros de San Jacinto de Colombia, colaboraron en la propuesta que se muestra como una alabanza a las raíces de los ritmos musicales nativos del caribe.

"Mi música no tiene un público específico, he visto tres generaciones de una misma familia en mis conciertos y veo que a todos les gusta, y es que es importante sentirse conectado con nuestros orígenes", concluyó.

García se encuentra en España desde donde regresará a Estados Unidos en agosto como parte de su gira promocional que los llevará a Miami y Nueva York.

Roa, contado por el autor

El célebre autor compatriota Augusto Roa Bastos en numerosas entrevistas fue develando aspectos de su vida que sirven para ahondar en su forma de ser. En vida hay una infancia olvidada al igual que dos obras, pero también recuerdos imborrables de fuego.

A lo largo de su existencia Roa Bastos fue indagado en diversas entrevistas sobre aspectos de su vida que lo marcaron, los cuales a veces con cuentagotas y otras con una providente elocuencia fue develando muy a su estilo, en una mezcla de mitos y realidades, un esbozo de su personalidad y forma de pensar sobre temas como Paraguay, el guaraní, los derechos de las mujeres, la manera en que lo marcó la Guerra del Chaco y la Segunda Guerra Mundial, el exilio, y otros aspectos que no se limitaban a lo literario, pero que sin duda lo forjaron como autor.

Infancia rescatada del olvido en un féretro

El propio Roa Bastos afirmó recordar poco de su infancia, la cual en gran parte pasó en la ciudad de Iturbe, Guairá, tanto así que sus memorias las considera más bien leyendas que le fueron legadas más que guardadas por sí mismo.

“Las leyendas que me contaron sobre mi venida al mundo han sido muy poco divertidas, de manera que guardo muy poco recuerdo. Además para mí la vida ha sido un olvido continuado, de manera que recuerdo muy pocas cosas, salvo alguna que otra de mi infancia en un pueblecito de Paraguay, un país que es más una incógnita en América Latina, que es un país desconocido incluso en su ubicación geográfica, a tal punto que creo que es un lugar mágico que han inventado los novelistas y escritores, esta gente que hace magia con la realidad”, indicó el autor en una entrevista en España, aún cuando sufría el exilio obligado en París a causa de la dictadura.

Casi como un sueño más que un recuerdo, Roa relata uno de los pocos aspectos significativos de sus primeros años, algo que no se logra dilucidar si es un mito, pero que no obstante describe la realidad del paraguayo, un ser generoso hasta en las mayores tragedias, situación tan vigente hoy como en ese entonces, palpable por ejemplo en casos como la inundación que afecta actualmente al sur del país.

Roa recuerda el caso de un anciano en Iturbe, que “durante 20 años no ha podido dormir, y durante las noches se entretenía en fabricar su ataúd de una madera llamada palo santo (explicando al periodista español que se trata de una madera de las más finas y aromáticas que existe), y este viejecito, en las épocas de crecidas, se embarca en este ataúd a recoger (y rescatar) gallinas, colchones y chicos. Este servicio con un elemento aparentemente lúgubre de un ataúd, con el sonido del martillo y el escoplo que lo oían en todo el pueblo pero ya nadie lo oía luego de 20 años, servía para hacer un servicio”.

Para el magnánimo autor compatriota, este hecho describe en cuerpo entero al paraguayo ya que “desde el fondo de la muerte el paraguayo siente esa necesidad de salir en ayuda del semejante que está en dificultad, esta es una de las grandes impresiones de mi infancia, sobre todo es una de las influencias que me llevaron a ver en el ejercicio de la literatura, la posibilidad de creación de mitos reveladores de la realidad de una comunidad”, afirmó, algo que siguió perfeccionando en Hijo de Hombre y Yo el supremo entre otras varias de sus obras.

Otra de las cosas que lo marcaron a fuego desde sus primeros momentos fue su crianza fuertemente matriarcal, y no solo de parte de la que lo dio a luz, sino de su “segunda madre” como describe a su tía que lo acogió en la Capital cuando vino a estudiar. Fui acogido “cuando tuve que dejar este pueblecito por una de estas tías generosas, que tiene alma de abuela, muy generosa, fue mi segunda madre”, destaca. Esto hizo que desarrolle un profundo respeto y admiración por la mujer.

Una de sus obras, Madama Sui, inspirada en una musa real, justamente explora aspectos de la mujer que Roa Bastos destaca y remarca. Fue tras recoger esa historia que “comprendí un aspecto de la mujer, que atravesando cualquier tipo de vicisitudes, incluso las más aberrantes, puede mantener su dignidad íntima, prácticamente una inocencia innata (...)”. Considera que la prevalencia de la mujer está inclusive justificada por una “superioridad biológica” al ser portadora de la vida.

SUS PRIMERAS OBRAS, A LAS CALDERAS DEL OLVIDO PREMEDITADO

Si hay algo que Roa Bastos afirma querer incinerar de su propia mente son sus primeros trabajos publicados. El ruiseñor de la aurora (1942) “ese es un libro que he puesto especial cuidado en que quedara oculto, porque eran, claro, las primeras tentativas de un muchacho por expresarse en un lenguaje que no fuera el cotidiano”, indicó, y afirmó estar tranquilo de que no quedan vestigios de esa publicación, y si alguien lo tiene seguro figura como obra “de un autor desconocido”.

Fulgencio Miranda (1941) es otra obra que en este caso el azar se encargó de desterrar ante el beneplácito del autor, pese a que le valió uno de sus primeros reconocimientos como escritor. “Este libro también felizmente se ha perdido, es una novela que yo presenté siendo muchacho en un concurso en un ateneo, el único que existía en Asunción, en ese tiempo obtuve un premio pero no me pudo siquiera ser devuelto el original porque se había extraviado, de manera que estoy en la duda si el premio fue justo o no”, afirmó.

AUTOR FORJADO A POLVO Y BOMBAS ATÓMICAS

Augusto Roa Bastos tuvo la desdicha de coincidir y ser partícipe en mayor o menor medida de la Guerra del Chaco y de la Segunda Guerra Mundial. En la primera afirma que le impactó la muerte más aún entre hermanos; en la segunda, la noción de que nada volvería a ser igual tras el inicio de la era nuclear.

En la Guerra del Chaco participó a sus cortos 14 años, escapando del colegio y yendo a parar a la retaguardia, un lugar igual o más duro que el frente y las trincheras. El solo Chaco Paraguayo es un lugar que marca el temple de cualquiera ya que es “una región que por momentos parece tener un paisaje casi lunar de cráteres encendidos por ese sol de hierro que es el que marca el clima paraguayo, una guerra dura en todos los sentidos”, según consideró alguna vez.

En la Guerra del Chaco “estuve muy jovencito, me largué ahí como un polizón en un barco, tenía 14 años, de tal manera que me dejaron en los servicios auxiliares, yo quería ir al frente, porque para mí la gran aventura estaba allá, sonaba a cañón, pero la retaguardia es el peor lugar de la guerra, porque ahí vienen los desechos, los heridos, esas cosas que vas heredando de la guerra como un material en descomposición, terrible es la retaguardia”, recordó.

En la Segunda Guerra Mundial también le tocó ser partícipe, ya como corresponsal del Diario El País, del cual era editor en jefe. Pese a haber entrevistado a personalidades como Charles De Gaulle, célebre presidente francés, lo que realmente lo marcó de esta guerra fue el pueblo británico.

“Yo vi caer una (bomba) en la entrada subterránea del tren de Londres, deslizarse hasta el fondo y provocar una explosión que mató a millares de personas. Pero lo que dejó una marca en mí no fue tanto la crueldad de la guerra, porque le digo, Inglaterra daba la impresión de un gran barco en alta mar tomado por una gran tempestad, pero cuyos habitantes eran marinos muy disciplinados”, y es ese temple colectivo el que impresionó a Roa Bastos.

Pero nada supera a la impresión de haber vivido de cerca las primeras explosiones y consecuencia de la bombas nucleares. “Lo que no voy a olvidar nunca es esa especie de ráfaga casi apocalíptica que cayó sobre la multitud que se congregó en las calles a celebrar el armisticio. Era una mezcla indefinible, una sensación multitudinaria, donde se celebraba que la guerra había llegado a un fin, (...) y por otro lado una sensación tremenda de que comenzaba otra época en la humanidad, una época nuclear. En ese instante no podía racionalizar, pero me afectó bastante”, contempló ya posteriormente.

“SIN PASTA DE HÉROE”

Pese a haber sido partícipe de estas dos guerras, en un dejo de modestia o casi reproche a sí mismo Roa Bastos consideró alguna vez que no posee temple de héroe, principalmente por haber tenido que optar por el exilio tras la dictadura. “Como realmente no tengo pasta de héroe tuve que huir, tuve que ir a la embajada y huir”. Como buen autor de cuentos, su huida no pudo dejar de ser un tanto novelesca.

“Yo me habría permitido hacer de tanto en tanto unas notas, los editoriales, que evidentemente disgustaron al gobierno y entonces me dijeron que me fuera, pero de una manera muy intimidatoria. Rodearon la casa, entraron, entre ellos el jefe de Investigaciones, como si se tratara de un criminal peligrosísimo, me hicieron ese honor de confundirme. Me sentí acorralado, no podía escapar, tenía rodeada la casa de noche, entonces lo único que se me ocurrió es un recurso bastante de opereta, puse una escalera, subí al techo y me metí al tanque de agua, y desbordó el agua, tanto que cuando entraron los guardias les caía un poco de agua, como si estuviera lloviendo. Estuve hasta el amanecer. Desde esa noche hasta que me asilé en la embajada, tardó mucho en darme el salvoconducto, entonces cuando vine acá (Argentina) me sentí liberado” relató sobre esa noche en la que inició su prolongado exilio de Paraguay.

Un artículo de Alejandro Acosta

Fuente: ABC COLOR

Respeto por el ‘country’

El género vaquero, esencial para el desarrollo de la música popular, siempre ha sido ridiculizado por los adalides de la modernidad en España

Nunca ha dejado de llamarme la atención que el country, ese género esencial para el desarrollo de la música popular, sea visto en España con desdén. Hay una especie de superioridad moral en los círculos del rock y el pop con respecto a este estilo musical que, casi un siglo después de que diese sus primeros pasos con las primeras grabaciones rurales, sigue gozando de una salud envidiable en Estados Unidos, cuna del género.

España siempre ha sido un caso aparte para temas musicales, y otros muchos que no vienen al caso. No solo porque en este país cueste el triple (o más) que en Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Alemania u Holanda asentar una escena musical independiente y profesional, al margen del entramado de la radio fórmula, sino porque aquí se ha menospreciado de una forma bochornosa a géneros musicales como el propio country, pero también el soul o el garage, ambos también básicos en el devenir musical del pop y el rock a partir de los años sesenta.

El country siempre ha sido ridiculizado por los adalides de la modernidad. Ya en los ochenta era un pecado mostrar interés por los sonidos de Hank Williams, Buck Owens o Gram Parsons mientras se vivía la eclosión de la movida madrileña y todo el movimiento de creación juvenil inspirado en la nueva ola británica y el punk. Los amantes del conocido como Nuevo Rock Americano o alt-country con bandas como Green On Red, The Long Ryders, Violent Femmes o Dream Syndicate eran minoría y, para colmo, motivo de cachondeo. Sucedió igual en los noventa y principios de siglo XXI: el indie se abrió pasó entre el público universitario y la crítica musical (radios, revistas, suplementos culturales, fanzines…) y se despreciaba un estilo que se identificaba con lo viejo, o en el peor de los casos con lo rancio. Y eso que REM se convirtió en una de las grandes bandas mundiales desde sus orígenes del Nuevo Rock Americano. La última década no ha ido mucho mejor: el country sigue siendo algo residual, caduco, propio de películas de vaqueros, mofa entre hípsters que, sin embargo, les parece muy cool vestirse igual que un anuncio de H&M o imitar sin gracia el estilismo de su estrella maldita norteamericana o británica. Pero, al menos, en este tiempo más reciente hubo cosas inesperadas que ayudaron a verlo con otros ojos en algunas partes.

Johnny Cash con sus American Recordings, consideradas por la crítica musical como obras maestras, consiguió acercar estos sonidos raíces a un público más amplio con el cambio de siglo. También el triunfo de Wilco, en público y especialmente crítica, abrió un camino para que aquellos que no prestaban atención al country lo hiciesen. Tweedy, proveniente de la banda de country alternativo Uncle Tupelo e instigador de estos sonidos, desarrolló una carrera con Wilco en la que consiguió unir el concepto de Americana, estilo heredero del country y el folk, con el de mundo indie. Fueron Wilco pero también otro puñado de bandas norteamericanas, que al final se convirtieron en decenas, los que consiguieron lo impensable: la tercera vía del country alternativo terminó por ser más influyente en el siglo XXI que el grunge y el brit-pop, tan populares en los noventa con esa absurda guerra mediática. De hecho, el grunge y el brit-pop han envejecido mucho peor que esa otra vía menos cacareada.

Como el blues para la población negra, el country es el relato de la gente corriente. De la gente blanca. Su función ha sido ser un catalizador emocional de historias cotidianas, que ya desde sus comienzos a principios del siglo XX era visto por las poderosas industrias de Nueva York y Los Ángeles como “aldeanismo musical”. Para los ejecutivos, los compositores del Tin Pan Alley y los intérpretes de traje, quienes lo cantaban eran paletos con las botas manchadas de barro. Y, sin embargo, el country siempre tenía un compromiso con su tiempo, cantando historias del día a día, pero también algo igual de transcendental: mantenía viva la memoria de un país en continuo cambio social y tecnológico desde la llegada del ferrocarril.

Si no hubiese sido por la Carter Family, Norteamérica no hubiese conocido la gran parte de su tradición y cultura folk. Lo mismo se puede decir de Woody Guthrie y Hank Williams. El primero no obtuvo éxito, pero fue esencial por su labor de historia oral con sus canciones. El segundo alcanzó la fama, gracias al crucial desarrollo de la radio en Estados Unidos, y fue el gran pilar donde se asentó el género. Las canciones de pena y redención de Williams marcaron una senda compositiva que llega hasta nuestros días y todavía suenan vivas y fascinantes. Sin ellos, como sin tantos otros nombres menos conocidos en España como Jimmie Rodgers, Gene Autry o Ernest Tubb, no se habría desarrollado el rockabilly. Sin todos no habría sido igual la historia de Elvis Presley, fascinado por el universo del hillbilly y el blues, que lo cambió todo desde su admiración por Hank Snow y todos los padres fundadores del country.

Como aficionado al country, como a otros géneros musicales, destaco la labor del Huercasa Country Festival, un certamen que cuenta con Manolo Fernández como director artístico y conocido en la música española por estar al frente de Toma Uno, programa de música americana referente en España desde las ondas de Radio 3. La mejor música de raíces norteamericana contemporánea, que se desenvuelve fuera del yugo comercial de la industria de Nashville, que ha distorsionado el sentido del country, vuelve a darse cita en el Huercasa Country Festival, que se celebrará el 7 y 8 de julio en Riaza, en Segovia. Este año cuenta con un todoterreno apenas conocido en nuestro país pero que es un relator de historias sin igual: Aaron Watson, que ilustra perfectamente el verdadero peso del country en la actualidad. También pasarán el dúo Dale Watson & Ray Benson, J.P. Harris, Shooter Jennings o Will Hoge, entre otros.

Es una cita imprescindible para los amantes del country, pero también más que interesante para cualquiera que le guste la buena música. El country es mucho más que una caricatura de América. No tiene nada que ver con una imagen distorsionada de los vaqueros. Es música llena de relatos y sonidos emotivos. Un respeto para el country.

Fernando Navarro "EL PAIS"

La historia de Créeme

En los primeros meses de 1975, un director de la Televisión Universitaria y amigo común le pidió a Silvio Rodríguez una canción por el 40 Aniversario de la caída en combate de Guiteras y Aponte. Silvio le respondió que con mucho gusto, pero que mejor hablara conmigo por los vínculos casi familiares con ellos.

En 1935 Antonio Guiteras Holmes, revolucionario matancero que había sido Ministro de Gobernación de un breve y tibio gobierno, comprendió que Cuba no tendría solución social verdadera más que con una revolución armada, para lo cual crea la organización La Joven Cuba. Prepara con algunos de los miembros de la organización una salida clandestina hacia México para instruirse militarmente y regresar. La salida estuvo dispuesta por el río Canímar, en cuya desembocadura existe un pequeño fortín colonial. Mi familia paterna era de Matanzas; Carlos Alfaras, esposo de una hermana de mi padre y miembro de Joven Cuba, estuvo entre los combatientes de El Morrillo; Carlos Aponte (coronel venezolano que había combatido con Sandino en Nicaragua) y Paulino Pérez Blanco estuvieron escondidos en la casa de mi familia el 7 de mayo de 1935, y esa noche mi abuela paterna Ignacia López Pineda, junto a Mario Argenter, eminente músico matancero y amigo especial de la familia, tocaron para Aponte a petición suya La Polonesa de Chopin a cuatro manos en el piano, brindaron y mi abuelo el juez Santiago Feliú Silvestre le regaló a Aponte su revólver, con el que caería combatiendo al día siguiente junto a Guiteras.

Luego del combate, dos mujeres salen por la ciudad de Matanzas colectando firmas para que no mataran a los sobrevivientes de El Morrillo. Una de esas mujeres era Esther Feliú, mi tía.

Un día de abril de 1975, luego de estudiar todo lo escrito y conversar con familiares y amigos implicados (entre otros José Tabares del Real y Mario Kuchilán Sol), por fin compuse la canción ‘Homenaje a Antonio  Guiteras’, lamentablemente perdida. Al poco rato nació “Si canto a los muertos”, dedicada a Carlos Aponte y el poema ‘Los héroes’ que sería el preámbulo años más tarde de la canción ‘Sueño del Héroe’. Inmediatamente después, cargado con todo lo leído y escuchado, calculo que en la madrugada de ese mismo y largo día, de repente sentí un enorme peso sobre los hombros y salió, de arriba a abajo, ‘Créeme’. Es como si me la hubieran dictado los dos gigantes con quienes estaba compartiendo, incitándome a seguir su camino.

En esos días participamos varios trovadores en una actividad en la que estaba Carlos Rafael Rodríguez, intelectual brillante que además gustaba de nuestras canciones. Por los troveros estábamos, que recuerde, Silvio, Pablo, Amaury Pérez y yo (quizás también Sara y Noel). Antes de que nos tocara cantar, Amaury me preguntó por “la última”, le canté Créeme y me dijo: “Tienes que cantarla ahora mismo”, y eso hice. A partir de ese momento la cantamos a dúo con Silvio, especialmente durante las cerca de 600 actividades que hicimos durante la guerra de Angola entre febrero y julio de 1976.

La primera grabación la hizo Pablo Milanés en su disco Aniversario en 1977, y yo la incluí en mi primer disco Créeme, y que salió en 1978. De entonces a acá, ha tenido innumerables versiones, muchas verdaderamente memorables.

Fuente: Jorge G. Barata

"Alabanza" Buena Fe

El grupo cubano Buena Fe estrenó hoy el videoclip de Alabanza, uno de los 13 temas de su álbum Sobreviviente, ganador del Gran Premio Cubadisco en la recién finalizada edición del evento. Dirigido por el realizador Omar Leyva, el audiovisual tiene entre sus protagonistas al reconocido actor y humorista Osvaldo Doimeadiós y está dedicado al guitarrista Dairon Rodríguez, quien falleció a los 32 años debido a un ataque cardíaco.

Natalia Lafourcade se niega a modernizarse

 Natalia Lafourcade quería “bajar de la nube” en la que vivía tras el éxito de su disco “Hasta la raíz” (2015) y para ello decidió “esconderse” del mundo y componer un álbum “íntimo”, con el que ir aún más contra la corriente musical, pero “sin atacarla”.

“Sería un error hacer música más moderna porque los chavos están escuchando eso, no es mi papel en este mundo de la música, soy muy afortunada por traer algo de antes a las nuevas generaciones”, dijo en entrevista un día antes de que la gira con motivo de su más reciente trabajo, “Musas”, pase por Miami.

En “Musas”, su quinto álbum de estudio, la artista viaja al pasado, a una época en la que ella misma reconoce que le gustaría vivir, con cinco canciones originales y siete versiones de clásicos de Simón Díaz, Agustín Lara y, con la que más se “identifica”, Violeta Parra.

En canciones como “Mi tierra veracruzana”, “Qué he sacado con quererte” y “Rocío de todos los campos”, la voz de soprano de Lafourcade suena más ligada que nunca a la cultura musical de su país.

Parte de la “culpa” del sonido del álbum la tienen Los Macorinos, un dúo de ilustres veteranos de la guitarra formado por el mexicano Miguel Peña y el argentino Juan Carlos Allende, con los que Lafourcade forma un equipo que superó todas las “brechas generacionales”.

De esas sesiones surgió un disco “grabado en vivo, como en los viejos tiempos”, según la cantante nacida en Ciudad de México, pero criada en tierras veracruzanas, y que preparó “a escondidas” de su discográfica, para que nadie “contaminara” su idea de hacer música “por hacerla y ya”.

Una persona tuvo que convencer a Lafourcade de que la belleza de “Musas” merecía ver la luz, porque la intención inicial de la intérprete era dejarlo en un cajón y simplemente utilizarlo para “bajar de la nube” de “Hasta la raíz” y “aterrizar en la música”.

“No quería que nadie me dijera que había que superar el éxito de ‘Hasta la raíz”, afirmó la artista, quien con ese disco logró el Grammy a mejor álbum latino de rock, música urbana o alternativa en 2016.

Con el mismo trabajo arrasó en los Grammy Latino de 2015 con cinco gramófonos dorados, incluidos los de Canción del Año, Grabación del Año por “Hasta la raíz”, la canción que daba nombre al disco y que en Youtube suma casi 70 millones de visionados.

El listón estaba alto pero Lafourcade quería alejarse de ello y por ello se refugió en el sonido acústico de Los Macorinos y con la intención de que suenen escenas “cotidianas y normales de la vida”.

“Una familia en su casa mientras cena, una pareja mientras hace el amor, una mamá que trata de dormir a su bebé, una nieta con su abuela, esos son los mejores lugares para escuchar ‘Musas’”, explicó.

El proceso de composición de “Musas” fue tan productivo que de aquellas sesiones con Los Macorinos, que la acompañan también en su gira, salieron 30 canciones.

Por ello, habrá un segundo volumen de “Musas”, lleno de raíces mexicanas y aún sin fecha de salida.

“Tú si sabes quererme”, original de Lafourcade, fue el primer sencillo del álbum. Vio la luz en el mes de enero y acumula más de 22 millones de reproducciones de su vídeo en Youtube y 29 millones de escuchas en la plataforma de streaming Spotify.

Fuente: El Informador

Reconocen a Yoko Ono como coautora de ‘Imagine’

Casi medio siglo después de que John Lennon lanzara "Imagine", su viuda y colaboradora artística, Yoko Ono, aparecerá como coescritora del famoso tema.

El anuncio se hizo cuando la icónica oda a la paz mundial de 1971 fue declarada "canción del siglo" en una gala de la National Music Publishers Association, el miércoles en Nueva York.

Mientras Ono y su hijo Sean Lennon se acercaban para recibir un trofeo, la asociación anunció inesperadamente que Ono se uniría a Lennon en los créditos de composición.

Durante la gala se proyectó una entrevista de la BBC con John Lennon de 1980, poco antes de ser asesinado, en la que dijo que "Imagine" fue inspirada en parte en el libro de arte conceptual de Ono "Grapefruit".

"'Imagine' debería haber sido acreditada como una canción de Lennon/Ono. Si hubiera sido alguien más que mi esposa, les habría dado crédito", dijo Lennon.

Tras el anuncio, Sean Lennon escribió en Facebook: "Es el día de más orgullo de mi vida".

La madrina punk Patti Smith y su hija Jesse Smith tocaron "Imagine" cuando madre e hijo aceptaron el premio.

Ono, ya reconocida como una artista de vanguardia cuando conoció al entonces beatle, colaboró  estrechamente con Lennon y ha tratado de preservar su legado desde su muerte.

"Imagine", con su llamado a un mundo sin divisiones, sigue siendo una de las canciones más conocidas de la música pop y un himno de activistas por la paz.

Es poco probable que Ono perciba cualquier ganancia personal en el futuro inmediato, pues ella ya es la heredera del patrimonio de Lennon.

Pero el cambio podría tener un efecto práctico ya que, bajo la ley estadounidense, las canciones son de dominio público -lo que significa que los autores ya no reciben regalías- 70 años después de su publicación, y la adición de Ono potencialmente extiende el período de "Imagine".

La propio Ono tuvo una publicitada pelea con el beatle Paul McCartney por créditos de composición. Los Beatles generalmente firmaron sus canciones como "Lennon-McCartney", compartiendo el crédito por algunos de mayores éxitos en la historia de la música.

Después de que el grupo se separó, McCartney comenzó a cambiar el orden a McCartney-Lennon en canciones en las que dijo que tomó la iniciativa, lo que provocó objeciones de Ono.

 Fuente:El Informador

Banda Sinfónica de Montevideo estrenó a sala llena “Memory”, los musicales de Andrew Lloyd Webber

La agrupación cuenta con la participación de Wanderlust Theatre Company de Nueva York, y siete coros de Municipios de Montevideo.

Con localidades agotadas, la Banda Sinfónica de Montevideo, que celebra su 110 Aniversario, estrenó anoche en el Teatro Solís el espectáculo "MEMORY: los musicales de Andrew Lloyd Webber", junto a la Compañía Wanderlust Theatre de Nueva York y un coro de más de 120 integrantes de todo Montevideo.

Más de 200 artistas en escena, participan de esta serie de cuatro conciertos dedicados a las composiciones más emblemáticas de Andrew Lloyd Webber. Memory del musical Cats -y que da nombre al show-, The music of the night del El fantasma de la ópera y Don't cry for me Argentina de Evita, son algunas de las piezas que interpretan cuatro solistas y un pianista de la Compañía Wanderlust Theatre de Nueva York, dedicada a la promoción del género de teatro musical por toda América, acompañados por siete coros reunidos especialmente para este espectáculo.

MEMORY, es uno de los espectáculos destacados de la temporada con la que la Banda Sinfónica está celebrando sus 110 años de existencia, una temporada compuesta por más de 70 conciertos con los que recorre todos los municipios de Montevideo, y para la que ha invitado a diversos músicos y directores/as internacionales.

Con este espectáculo, la Banda Sinfónica conjuga varios de sus objetivos fundamentales, como son la difusión de la música sinfónica; la presentación de géneros menos transitados en nuestro país -como el teatro musical-, el trabajo con la comunidad y grupos amateurs (vinculando grupos corales de todo Montevideo); la descentralización cultural, presentando el mismo espectáculo en el Teatro Solís, el Centro Cultural Florencio Sánchez del Cerro y el Complejo SACUDE de Casavalle; y la construcción de puentes y alianzas entre cultura, a través de la colaboración con artistas profesionales extranjeros como Wanderlust Thetre Company de Nueva York,

Quedan aún tres funciones. Esta noche será la segunda en el Teatro Solís, para la cual las localidades también se encuentran agotadas. Se repetirá el viernes 16 de junio a las 20hs en el Centro Cultural Florencio Sánchez del Cerro y el domingo 18 de junio a las 18hs en el Complejo Municipal SACUDE de Casavalle, estas dos funciones serán con entrada libre.

Andrew Lloyd Webber es uno de los compositores y creadores más destacados de Broadway, hacedor de musicales como El fantasma de la ópera, Evita, Jesucristo Superstar, Cats, Sunset Boulevard, entre otros. Considerado el genio que reinventó el arte escénico musical contemporáneo, le dio un nuevo estatus al colocarlo en el gusto de la cultura pop. Ha acumulado gran cantidad de premios, incluyendo Premios Tony, Grammy, Olivier, un Óscar, un Emmy y un Globo de Oro. Sus canciones han sido interpretadas por decenas de cantantes en el mundo como Barbra Streisand, Susan Boyle, Sarah Brightman o Madonna, entre otras.

WANDERLUST THEATRE Co.

Es un grupo de teatro profesional sin fines de lucro con sede en Nueva York, dedicado a la producción de espectáculos basados en obras clásicas, conciertos, musicales y cabaret en todo el mundo como un recurso cultural asequible. Cuentan con un enfoque internacional a través del cual ofrecen la oportunidad de experimentar el teatro musical en lugares donde las producciones originarias de Estados Unidos rara vez se ven. Su esfuerzo se centra en construir un puente cultural, un intercambio y una alianza entre las culturas de Estados Unidos y el resto de América. Wanderlust Theatre ha presentado proyectos profesionales de teatro, en colaboración con otros elencos dentro y fuera de Estados Unidos, desde 1996. Se compone de un grupo étnicamente diverso de profesionales de Nueva York en las áreas de interpretación, diseño, dirección, producción, dirección técnica, diseño de vestuario, dirección musical y coreografía. Su equipo incluye a artistas apasionados por ampliar horizontes y cruzar las barreras geográficas, económicas y políticas mediante el teatro y la música.

El teatro itinerante ayuda a la comunicación y la comprensión cultural en todo el mundo. Wanderlust es una compañía de teatro con hambre de diversidad, un enfoque en la erradicación de los estereotipos y un compromiso en la celebración de castings no tradicionales.

BANDA SINFÓNICA DE MONTEVIDEO

La Banda Sinfónica de Montevideo, desde su creación en 1907, se ha caracterizado por la cercanía con su público y se ha destacado por su esfuerzo ininterrumpido de difusión y divulgación musical en el país. Ha sido pionera en democratizar el acceso a la música sinfónica con conciertos de todo tipo y en todo tipo de escenarios, recorriendo los barrios y realizando giras departamentales. La BSM es una unidad de la Intendencia de Montevideo.

Fuente: Montevideo Portal

Música para los ojos

La plataforma de televisión alberga gran cantidad de contenido para todos los gustos y géneros musicales.

Los constantes estrenos de producciones propias de Netflix y la llegada semanal de nuevas ofertas en forma de películas y series hacen que el contenido de la plataforma a menudo haga perderse al usuario otro tipo de propuestas que merecen la pena. De entre todo ese contenido y desde que Netflix llegase a España, la plataforma alberga una buena cantidad de documentales de música de todos los géneros y para todos los gustos.

Grandes bandas que se han convertido en el gran éxito para la música popular, nuevos nombres capaces de levantar masas y cambiar las tendencias musicales o géneros que se han hecho un hueco en la historia. Electrónica, rock, pop para masas o heavy metal, todo entra en las propuestas musicales de Netflix.

Electrónica

La música electrónica es también un modo de vida. Ya sea en clubes o en grandes festivales, los DJ se han convertido desde hace años en figuras capaces de mover a miles de personas y hacerles bailar. Entre los grandes documentales que se pueden rescatar en Netflix se encuentran This Was Tomorrow, una cinta que analiza el gran fenómeno que supone el festival Tomorroland, evento masivo nacido en Bélgica y que se celebra también en Estados Unidos y Brasil. En cuanto a grandes estrellas, Netflix cuenta con Dormiré cuando me muera, en el que relata la trayectoria de Steve Aoki, uno de los DJ más reclamados, y Daft Punk Unchained, un retrato del enigmático dúo francés que se esconde bajo máscaras robóticas.

Los grandes clásicos

Con Whats happened, Miss Simone?, Netflix logró asentarse como una de las grandes productoras en contenidos documentales. A través de más de 100 horas de entrevistas e imágenes inéditas, sus creadores reconstruyen la figura de una de las artistas más genuinas de la música estadounidense. Además de Simone, Netflix cuenta en la actualidad con dos documentales sobre Frank Sinatra (Sinatra To Be Frank y All or Nothing at All) y Keep on Keepin'On, en el que se siguen los pasos de Clark Terry, leyenda viva del jazz. 

El pop para masas

Artistas que han cautivado a miles de jóvenes de varias generacioes como Justin Timberlake, One Direction o Backstreet Boys se dan cita también entre las propuestas musicales de Netflix. Justin Timberlake and The Tennessee Kids narra el exitoso tour del cantante estadounidense, One Direction: This Is Us busca transmitir bajo el ojo de Morgan Spurlock un fenómeno que sigue vigente y otro que marcó la década de los noventa con Backstreet Boys: Show 'em What You're Made Of.

Historia del rock

Si hay un género que mejor trata Netflix en su catálogo ese es el rock. Todas las épocas e iconos tienen su espacio entre los documentales que la plataforma audiovisual presenta y entre los que están Davib Bowie (The Man Who Changed the World), Joe Cocker (Mad Dog With Soul), The Rolling Stones (Crossfire Hurricane y Keith Richards Under the Influence), Nirvana (Cobain: Montahe of Heck), Grateful Dead (The Other One), The Doors (When You're Strange), Chicago (The History of Chicago), o Bruce Springsteen (Springsteen & Me).

Entre todos ellos también hay espacio para el metal con Twisted Sisters (We are Twisted Fucking Sisters!) y Metallica, con el aplaudido Some Kind of Monster, y verdaderas joyas de un toque distinto como 20.000 días en la Tierra, que relata la carrera del artista de culto Nick Cave.

Hip Hop

A través de cuatro episodios, Hip Hop Evolution desentraña junto a los grandes nombres del género la evolución del sonido callejero desde sus precarios inicios en los 70 hasta su gran triunfo en los 90 y la importancia de la actualidad. Fresh Dressedsupone también una radiografía tanto del género como de sus códigos de vestimenta y su salto a la moda. Para los amantes de los grandes nombres: Biggie & Tupac, el documental que recapitula la muerte de dos de los raperos más conocidos de la historia y de la guerra que se instaló en Estados Unidos.

Fuente: Tikitakas

En un día como hoy... Pero de 1934

Nace Jackie Wilson

Nació en Detroit en 1934.

Fue una de las grandes estrellas del sol y del Rhythm blues de los años 60's y 70's, uno de sus primeros éxitos fue "Reet Petit", que escribió junto a Berry Gordy.
En 1960 alcanzó el num. 1 del Billboard en su estilo con la canción Night.
Murió en 1984 pero nos dejó un legado que recoge otros temas como "Teardrops" y "To be Loved".